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Khokhloma (Хохлома)

La khokhloma o pintura khokhloma es parte muy importante de la artesanía rusa. Nació en el siglo XVII cerca de la ciudad actual rusa Nizhny Novgorod (400 kilómetros al este de Moscú). Su nombre se origina del pueblo Khokhloma, un punto de intercambio comercial recurrido por todos los pueblos de la región.

La vajilla de madera con estos dibujos tan bellos y característicos estaba disponible solamente en dicho pueblo, por ello adoptó su nombre hasta el día de hoy.

Los colores principales en esta pintura son el rojo, verde, negro, y en gran medida, el dorado. Los elementos presentes son las bayas escarlatas del serbal (un árbol ruso), las bayas del bosque, las flores rusas y plantas que las decoren. En ocasiones, también aparecen pájaros, peces u otros animales.

Al principio, la vajilla khokhloma se producía para las mesas de los zares rusos. Pero, ante la aparición y proliferación de otros materiales, esta artesanía se volvió más asequible y popular.

Después de la exposición internacional en París en el año 1889, la khokhloma se extendió por el mundo. Sin embargo, la denominación de origen se ciñe a dos centros. En 1916 en la ciudad Semyonov (aproximadamente a 500 kilómetros de Moscú) se creó una escuela que se convirtió con el tiempo en una empresa “Хохломская роспись” (Las pinturas de khokhloma).

El segundo centro, creado en la década de los 60, se ubica en el pueblo Syomino, la empresa se llama “Хохломскoй художник” (El pintor de khokhloma).

Actualmente, los dibujos de khokhloma son parte de la cultura popular más extendida, y han trascendido la vajilla para encontrarse en todo tipo de productos como fundas de celular, coches, motos, bicicletas, ropa, zapatos, botas, ropa de cama, relojes, etc.

Juguetes de Bogorodskoye (Богородская игрушка)

Los juguetes de Bogoródskoye forman parte de la artesanía popular rusa, consisten en figuras de personas o animales talladas en maderas blandas como el tilo o el aliso.

Esta tradición comenzó en el siglo XVII en Bogoródskoye, en el distrito de Sérguiev Posad, en la región del Anillo de Oro de Moscú. El oso es el animal más representado, y también suelen reproducir escenas de la vida campesina rusa. Entre las figuras más famosas está “el hombre y el oso”, los cuales normalmente se representan como dos herreros.

A menudo son juguetes móviles, de los cuales se tira de una pequeña cuerda y realizan diferentes acciones.  Otro tipo de figuras móviles elaboradas en Bogoródskoye son los “juguetes de balanceo”. El juguete más conocido de este tipo es el de las gallinas que pican semillas.

La mayoría de estos juguetes son de madera sin pintar, sin embargo, en ocasiones se les añade color con la técnica de acuarela.

A principios del siglo XX los artesanos expertos en la elaboración de esta artesanía se unieron en un taller que a partir de 1923 recibió el nombre de “El tallador de madera de Bogoródskoye”. En 1960 el taller creció y se transformó en una fábrica. En la época soviética trabajaban cerca de 300 personas en la producción de juguetes artesanales, y contaba con una escuela profesional de oficios.

Actualmente, la elaboración de los juguetes de Bogoródskoye es parte esencial de la artesanía rusa y dichos juguetes son muy populares como souvenires.

Anna Netrebko (Анна Нетребко)

Anna Netrebko es una de las mejores sopranos líricas de su generación. Nació el 18 de septiembre de 1971 en la región de Krasnodar, en la aún Unión Soviética.

Su historia podría parecer ficción, ya que durante los 90 Anna tomó un empleo como portero en el Teatro Mariinsky de San Petesburgo, para poder asistir a espectáculos de ópera. «Yo podía ver los ensayos y actuaciones. Yo estaba en el teatro veinticuatro horas al día», dijo. Una historia que circula por ahí, es que ella fue descibierta por la estrella rusa Valery Gergiev mientras lavaba los pisos en el teatro.

En 1993 ganó la importante Competencia Vocal Glinka de Moscú, y en 1994 debutó en el Mariinski como Susana en Las bodas de Fígaro. Siguió cantando papeles destacados con la Ópera Kírov, incluyendo Amina en La sonnambula, Pamina en La flauta mágica, Rosina en El barbero de Sevilla, y Lucía Di Lammermoor en Lucia di Lammermoor.

Se dio a conocer al público americano en 1995 en la San Francisco Opera con la producción de Mikhail Glinka Ruslan y Lyudmila, una vez más llevadas a cabo por Gergiev.

En 2002, Netrebko debutó en el Metropolitan Opera como Natasha, en el estreno en el Met de Guerra y paz.

Su disco debut, Anna Netrebko: Opera Arias, fue publicado en el sello Deutsche Grammophon a finales de 2003. Actuó junto al tenor Plácido Domingo y Rolando Villazón en julio de 2006, con motivo del Mundial de Alemania.

En diciembre de 2014, Anna Netrebko entregó un cheque por valor de un millón de rublos (18 500 dólares) para ayudar al Teatro de Ópera y Ballet de Donetsk de la Academia Estatal de Donetsk Anatoli Solovyánenko.

Netrebko cantó el himno de Rusia en la inauguración de los Juegos Olímpicos de invierno de 2014 en Sochi.

https://www.youtube.com/watch?v=t5SlUmCdXf0

Bandejas de Zhostovo (Жостовские подносы)

La técnica de pintura en las bandejas de Zhostovo, la cual se realiza en el poblado homónimo ubicado a 30 kilómetros al norte de Moscú, se ha consolidado desde hace más de dos siglos como un arte popular que combina la pintura y el laqueado.

Las primeras bandejas se hicieron en Zhostovo en 1807, cuando Filipp Nikitich Vishnyakov fundó su taller. Después de mudarse a Moscú, su hermano Taras continuó con el negocio familiar. Yegor Vishnyakov comenzó la fabricación de lacas de papel maché y metal en la aldea de Ostashkovo a 2 km de Zhostovo en 1815, y Osip Filippovich Vishnyakov, cuyo nombre se asocia con el florecimiento de la artesanía, abrió su taller en 1825.

Para la elaboración de esta artesanía, son tres personas las que intervienen: un herrero, que producía el utensilio; un espadín, que cubría la bandeja con una capa de tierra, y un pintor. Después de que la bandeja secaba, se cubría con laca.

En la técnica Zhostovo se usan siempre pinceles redondos, y el trabajo debe iniciarse desde el centro de la superficie a pintar, una vez definido cuál será la composición elegida de entre las tres principales: centro, guirnalda o ramillete. Es en la zona central donde se agruparán las figuras de mayor tamaño, para ir disminuyendo hacia la parte exterior. Para un correcto uso de la técnica, debe cuidarse el sombreado y la combinación apropiada de colores claros y oscuros para conseguir el efecto de profundidad deseado.

Podemos observar una influencia de las técnicas utilizadas en las Miniaturas de Fedoskino, por ejemplo, los motivos sobre los cuales se pintaba como eran los carruajes de troika, fiestas de té y escenas de personajes rústicos. Sin embargo, con el tiempo se fue definiendo el estilo actual de composiciones florales decorativas.

El arte de Zhostovo tuvo dificultades durante la década de 1920 y 1930 debido a lo reacio de las corrientes soviéticas, de cierta manera incompatibles con las características de estos ornamentos. Aún así, en 1940, la escuela vocacional Fedoskino abrió un departamento de pintura Zhostovo para entrenar a jóvenes artesanos.

En la década de 1960 comenzó una nueva etapa que continúa hasta nuestros días, en la cual diversos artistas especializados en esta técnica han recibido el honorable título de Artista Emérito de Rusia, además de que sus obras se conservan como tesoro nacional y son exhibidas por los principales museos nacionales.

 

Miniatura de Fedoskino (федоскинская миниатюра)

La miniatura de Fedoskino es un tipo de pintura de laca tradicional rusa con óleo en papel maché, creada a finales del siglo XVIII en la aldea Fedoskino, en las afueras de Moscú. Las cajas y estuches de Fedoskino son decoradas con flores, escenas de la vida campesina rusa, copias de pinturas de artistas rusos y occidentales, todo ello realizado con enorme destreza.

A finales del siglo XVIII, el mercader Ivan Korobov instaló una fábrica de laca en la aldea de Danilkovo (ahora Fedoskino). A principios del siglo XIX, esta fábrica fue heredada por Piotr Lukutin, y las pinturas comenzaron a venderse en el extranjero, también conocidas como pinturas de laca de Lukutin.

La pintura se realizaba con óleos, con pinceladas compactas y trazos finos, con capas de transparencia. A menudo, se usaban hojas de oro, plata, nácar y polvos metálicos que se mostraban a través de la capa de pintura translúcida.
La pintura lacada de Lukutin, proveniente de Fedoskino, disfrutó de la influencia del arte realista ruso. La proximidad de los artistas al folclore propició la creación de imágenes muy populares. Las escenas de fiestas de té, reuniones de mujeres y paseos en troika tenían éxito entre los compradores.
El trabajo de laca llevado a cabo por las fábricas de la región de Vishnyakov tenía mucho en común con el de Lukutin en términos de forma y contenido, sin embargo, durante casi un siglo, fueron buenos modelos de influencia mutua. En 1904, los herederos de Lukutin cerraron sus trabajos de laca. Los antiguos maestros de Lukutin organizaron en 1910 el trabajo de Fedoskino, lo que contribuyó a la competencia entre fábricas de lacas pequeñas y sentó las bases para un proceso artístico conjunto. una nueva etapa se introdujo en la pintura de Fedoskino.
Después de la Revolución de 1917, el arte de Fedoskino atrajo a jóvenes artistas, cuyo trabajo reflejaba la vida de ese período, las etapas en el desarrollo del Estado soviético, y el pasado histórico de Rusia.
Las obras de los artistas de Fedoskino se muestran en colecciones privadas y en los museos de todo el mundo.

Diego Rivera y la experiencia en la URSS

Estoy viviendo dentro de una sociedad nueva, compuesta de seres que sí son realmente seres humanos. ¡Qué fineza, qué claridad en el pensar, qué delicadeza en el sentir, qué amabilidad y qué bondad sencilla y constante!

-Diego Rivera-

Por vez primera, se realizó una retrospectiva del trabajo realizado por Diego Rivera durante los viajes que emprendiera por la URSS en la primera mitad del siglo XX.

El Museo Casa-Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, así como el Museo Mural Diego Rivera, albergan los dos periodos de este viaje por la pintura y los territorios soviéticos; el primero en 1927, cuando Rivera fue invitado por el Partido Comunista Mexicano a participar en los festejos del décimo aniversario de la Revolución de Octubre; el segundo en 1955, cuando recibió un reconocimiento del por parte del gobierno Soviético, y se sometió a un tratamiento contra el cáncer, ya que el hospital Botkin era un sitio caracterizado por el progreso en sus técnicas como la cobaltoterapia. Durante estos viajes, Diego Rivera realizó obras de caballete, dibujos y fotografías.

Más allá de los motivos arquitectónicos y los iconos soviéticos, Rivera abordó temas y personajes de la vida cotidiana, paisajes y retratos de la gente de a pie. Un extra en la exposición son los carteles soviéticos de la colección personal de Diego Rivera, en los cuales pueden observarse los elementos en común y las influencias en el muralismo del pintor mexicano.

Esta exposición, que consta de 289 piezas, resultó de cuatro años de investigación, por parte de los curadores María Estela Duarte y Mariano Meza Marroquín. Estará abierta al público hasta el 8 de abril.

Más fotos en www.facebook.com/artealmarusamx

Lucidvox y la psicodelia rusa

Lucidvox es una banda moscovita de rock psicodélico con toques de folk y kraut-rock. Nadya, Alina, Glasha y Ana emprendieron su proyecto musical debido a la inquietud que les surgió de la convivencia con su círculo de amigos, músicos en su mayoría.

Las atmósferas musicales que emanan de una inusual sinergia entre sus instrumentos, matizados por la voz de Alina, han ganado la atención de audiencias en varios países. Se han presentado en varias ciudades de Rusia, en el festival Pop-Kultur de Berlín, en la radio estadounidense, y ante el lanzamiento de su más reciente EP, Дым (Humo), parece que más países se sumarán a la lista.

Les compartimos una entrevista en directo con la banda en Model T, un espacio creativo ubicado en Moscú y donde muchas bandas del underground moscovita ensayan y se reúnen. Esperamos que la disfruten.

Aquí pueden escuchar toda su música:

https://lucidvoxband.bandcamp.com/

Matrioshka (Матрёшка)

Las matrioshkas son las tradicionales muñecas rusas de madera con múltiples figuras en su interior. Fueron inspiradas por un ejemplar de la muñeca japonesa Fukuruma traído a finales del siglo XIX a un taller de juguetes infantiles de Moscú.

Serguéi Maliutin, tornero de madera inspirado por la belleza del juguete hizo unas figuras parecidas y otro pintor artesano, Vasili Zviózdochkin, las decoró como una niña vestida con la ropa tradicional del pueblo. El juguete tenía ocho figuras que se ponían una dentro de otra. En aquellos días el nombre Matriona era uno de los más populares para las niñas rusas y desde entonces el juguete lleva el nombre “Matrioshka”.

Hoy en día la matrioshka aporta la idea de maternidad, fertilidad, riqueza y vida eterna y es un símbolo de la tierra rusa. La matrioshka, o madre, simboliza la familia grande y unida, la infinidad del mundo. La madre da a luz a una hija, la hija da a luz a otra hija y así… la cantidad de “nietas” dependía de la fantasía y paciencia del artista.

La matrioshka refleja la cultura filosófica de Rusia, donde los mitos y los cuentos populares se proyectan en el arte. Hay diferentes creencias sobre las matrioshkas; por ejemplo, existe la idea de que si se pone dentro de una matrioshka una papeleta con un deseo, con toda seguridad se cumplirá, y que, cuanto más tiempo dedicó el artesano a crear el juguete, más rápido se cumplirá el deseo. También se dice que la matrioshka representa el calor del hogar y es un símbolo que lleva a casa amor y esperanza.