Categoría: Personajes

Kolobok (Колобок)

Kolobok es el personaje principal de un cuento de hadas ruso homónimo, representado como un ser pequeño, esférico y amarillo elaborado con masa de harina. Mejor dicho, es un panecillo o pan redondo.

Existen versiones parecidas a este cuento en otras regiones eslavas orientales con variantes diferentes. Un cuento de hadas similar pero con un panqueque que rueda se ha registrado en regiones alemanas y nórdicas. La trama es similar al Hombre de jengibre de la tradición inglesa. Kolobok de repente cobra vida y escapa de la casa de sus abuelos.

La trama del cuento de hadas describe a Kolobok con encuentros diferentes con varios animales (un conejo, un lobo, y un oso) quiénes pretenden comerlo, pero Kolobok siempre escapa. Con cada animal, Kolobok canta una canción en la cual explica como escapa: «me escapé de la abuela, me escapé del abuelo, y ciertamente me escaparé de ti».

Por fin, Kolobok se encuentra con una zorra astuta que lo atrapó y comió. La moraleja del cuento consiste en que los niños pequeños no deben escaparse de su casa.

Egor Letov (Его́р Ле́тов)

El 10 de septiembre de 1964 nació uno de los pilares del underground siberiano en la década de los 80.

Egor Letov fue un poeta ruso, músico, cantautor, ingeniero de audio y pintor de arte conceptual, mejor conocido como el fundador y líder de la banda de rock post-punk/psicodélico Grazhdanskaya Oborona (Defensa Civil), abreviado como GrOb (palabra rusa para ‘ataúd’).

Fue en Omsk, una ciudad industrial del oeste de Siberia, a unos 2.500 kilómetros de Moscú, que Yegor Letov creó algunas de las canciones más poderosas de la Unión Soviética.

También fue el fundador de un proyecto de vanguardia en arte conceptual Kommunizm y del grupo de rock psicodélico Egor i Opizdenevshie. Letov es hermano menor del famoso saxofonista de free jazz  Sergey Letov.

Sergey logró liberar a Yegor después de su encarcelamiento en una sala de psiquiatría de Omsk en 1986: «Decidí enviar un mensaje indirecto a la KGB. Comencé a compartir mis planes con el arte y la gente de rock, jurándolos en secreto. Dije que si mi hermano no es puesto en libertad, llamaré a una conferencia de prensa para los medios de comunicación extranjeros y les diré que la perestroika es una mentira, que los jóvenes músicos han sido arrestados simplemente por tocar y grabar en casa. Sabía que muchos rockeros eran informadores de la KGB, por lo que todo funcionó como estaba previsto «.

También colaboró con la cantante y compositora Yanka Dyagileva y algunos otros artistas siberianos underground como ingeniero y productor de discos.

Egor Letov y Yanka Dyagileva

Antes de que el líder soviético Mijail Gorbachov calmara la censura a mediados de la década de 1980, lo que permitiría a las bandas de rock actuar abiertamente, las letras anticomunistas de rabia y desesperación de GrOb se transmitieron primero en Siberia, luego en Rusia y finalmente en toda la Unión Soviética en forma de casetes grabados en casa.

Se casó con Natalya Chumakova, la guitarrista de GrOb, en 1997. En el marco del 50 aniversario del natalicio de Letov, Chumakova impulsó la elaboración del documental I Don’t Believe in Anarchy (título ruso: Zdorovo i vechno). La película se estrenó en toda Rusia e y examina los primeros años de GrOb desde 1984 hasta 1990, cuando Letov (de manera típicamente perversa) disolvió temporalmente el grupo en el apogeo de su fama.

Yegor Letov murió de insuficiencia cardíaca mientras dormía el 19 de febrero de 2008 en su casa de Omsk.  Tenía 43 años. La mayoría de los críticos contemporáneos consideran a Letov como una persona importante en la cultura post-soviética y uno de los mejores poetas rusos de finales del siglo XX.

 

Fuentes: Wikipedia

www.independent.co.uk/news/obituaries/yegor-letov-father-of-russian-punk-787304.html

https://www.opendemocracy.net/od-russia/marc-bennetts/film-review-‘i-don’t-believe-in-anarchy’-dir-natalia-chumakova-and-anna-tsyr

Andréi Rubliov (Андре́й Рублёв)

Andréi Rubliov es considerado el iconógrafo más importante de Rusia. Nació alrededor del año 1370, durante la época del yugo tártaro-mongol, que fue probablemente el periodo más duro de toda la historia rusa.

La primera mención de Rubliov en las crónicas manuscritas, que son las únicas fuentes históricas sobre aquella época remota, aparece en el año 1405. En esta fecha el príncipe de Moscú Basilio I invitó a tres maestros —Teófanes el Griego, Prójor de Gorodets y el monje Andréi— para que pintaran los frescos de las paredes de la iglesia de la Anunciación del Kremlin de Moscú.

La siguiente mención de Rubliov en las crónicas se refiere al año 1408, cuando trabajó en la catedral de la Asunción de la ciudad de Vladímir en colaboración con Daniil Chiorny. Se trataba de la renovación de la antigua catedral saqueada por los tártaros casi dos siglos antes. La mayoría de las pinturas permanecen intactas y son ahora obras básicas para estudiar la herencia artística de Rubliov.

La otra ciudad donde trabajó Rubliov fue Zvenígorod. Se conservan solo restos de estos frescos y solo tres iconos del iconostasio, pero estos, especialmente el del Salvador, son las obras más conocidas del maestro.

La vida de Andréi estuvo vinculada a dos monasterios, el de la Trinidad en Sérguiev Posad, donde tomó el hábito y actualmente es el monasterio más famoso de Rusia, aquí Rubliov creó la obra más popular de toda la pintura rusa medieval: el icono de La Santísima Trinidad. El otro es el monasterio del Salvador y Andrónico, uno de los más antiguos de Moscú.

La fecha exacta de la muerte de Rubliov tampoco se conoce con exactitud pero lo más probable es que el monje falleciese en 1430. Rubliov pasó sus últimos años de vida en el monasterio del Salvador y Andrónico de Moscú, donde hacía vida monacal y pintaba en la catedral del Salvador, el edificio más antiguo que existe hoy en día en la capital rusa.

En 1959 se inauguró en Moscú el Museo Andréi Rubliov, ubicado en el monasterio de Andrónikov, donde se exponen sus obras. En 1966, Andréi Tarkovski realizó una película basada en su vida. Fue canonizado en 1988. La Iglesia Ortodoxa rusa celebra su festividad el 4 de julio.

Fuente: https://rusopedia.rt.com/personalidades/personalidades_de_cultura//issue_301.html

Konstantin Stanislavski (Константи́н Станисла́вский)

Konstantin Stanlislavski fue un célebre director, actor y pedagogo teatral, creador del Método Interpretativo Stanislavski. Llegó a ostentar el título honorífico de Artista Popular de la URSS (1936). Junto a Vladímir Nemiróvich-Dánchenko fundó en 1898 el Teatro de Arte de Moscú.

Nació en 1863 en Moscú, en una familia de acaudalados comerciantes. Los Alexéyev estaban emparentados con las famosas familias Tretiakov y Mámonotov. Su madre era francesa, y su abuela materna era Marie Varley, una actriz bastante conocida en París en sus tiempos.

En 1877, a los catorce años, el padre de Stanislavski, en respuesta al gusto de sus hijos por el teatro, transforma un granero de su casa de campo en Liubímovka, en una pequeña sala de teatro. En septiembre del mismo año, la familia forma la compañía de teatro amateur, el Círculo de Alekséiev, formado por hermanos, primos y algunos amigos, donde Stanislavski hace su debut como actor.

En 1886 Stanislavski fue elegido miembro de la dirección y tesorero de la sección de Moscú de la Sociedad Musical Rusa. Con sus actuaciones en los espectáculos de aficionados se preparaba para la carrera operística y tomaba clases de piano con un famoso director de escena ruso, Fiódor Komissarzhevski, con el que posteriormente fundó en Moscú la Sociedad Moscovita de Arte y Literatura, invirtiendo en ella su propio dinero. Pronto llegó a ser director de espectáculos que la mencionada sociedad ponía en escena.

Durante los 10 años de trabajo en los escenarios de la Sociedad Moscovita de Arte y Literatura, Stanislavski se convirtió en un destacado actor profesional.

A partir de 1891, Stanislavski empezó a ocuparse de forma oficial de la dirección artística de la Sociedad del Arte, donde puso en escena Otelo (1896), La duodécima noche (1897) y La campana sumergida (1898). Precisamente en aquellos años empezó a buscar “los métodos de revelación de la esencia espiritual de la obra”, donde cosechó los mayores éxitos y un merecido reconocimiento del mundo teatral.

La creación del nuevo teatro determinó los nuevos objetivos de la profesión artística. A partir de 1900, Stanislavski empezó a elaborar estudios sobre la creatividad del actor, posteriormente conocidos como el sistema o método Stanislavski.

Su intención era crear un sistema que permitiera dar al actor, durante toda su presencia en la escena, una oportunidad “pública” de creatividad, bajo las leyes del “arte emocional”; una oportunidad que, según la opinión de entonces, se “abre solo a algunos genios, en los minutos de inspiración”.

En 1922-1923 Stanislavski empezó a viajar al extranjero junto a la compañía de Teatro de Arte de Moscú. Algunos actores decidieron no volver a la URSS y se quedaron en sus destinos, siendo precursores muy activos del “método” en Europa y América. Durante su estancia en EE. UU., Stanislavski recibió el encargo de escribir un libro sobre su escuela y, como resultado, se publicó Mi vida en el arte, primero distribuido en Norteamérica y luego en la URSS.

La labor de Stanislavski entre 1920-1930 se puede definir por su deseo de defender los valores artísticos tradicionales del arte escénico ruso.

Falleció el 7 de agosto de 1938, en Moscú. Sus restos yacen hoy en el cementerio moscovita de Novodévichi.

Fuente: https://rusopedia.rt.com/personalidades/personalidades_de_cultura//issue_87.html

Dziga Vertov (Дзига Вертов)

Su cinta El hombre con la cámara es considerada uno de los más importantes filmes documentales de la historia.

Dziga Vertov, seudónimo de Denís Abrámovich Káufman, fue un cineasta vanguardista soviético, pionero del estilo documental de aquella época.

Denís Abrámovich Káufman nació en 1896 en el seno de una familia judía en Bialystok, ciudad perteneciente en aquellos años al Imperio ruso. Estudió música en el conservatorio de Bialystok hasta que su familia, huyendo del avance del ejército alemán durante la I Guerra Mundial, se trasladó a Moscú en 1915. Poco después, se instalaron en San Petersburgo, donde Kaufman inició la carrera de Medicina y comenzó a escribir, tanto poesía como narraciones satíricas y de ciencia ficción.

Interesado por el futurismo, adoptó el seudónimo de Dziga Vértov. Después de la revolución bolchevique de 1917  fue contratado por el Comité de Cine de Moscú para trabajar en Kinó-Nedelia, un semanario cinematográfico de noticias de actualidad soviética, donde conoció a Lev Kuleshov, uno de los pioneros del cine ruso, y al futuro camarógrafo de Eisenstein, Eduard Tissé.

A principios de los años 1920, Vértov, junto con varios jóvenes cineastas, fundó un grupo llamado Kinoki (“Cine-Ojo”), que elaboró una nueva concepción del cine documental. Vértov y sus partidarios rechazaron los tradicionales elementos del cine como guion y la participación de actores profesionales e intentaron “captar la verdad” con la cámara.

En 1922 Vértov creó la serie de noticieros cinematográficos Kinó-Pravda (“Cine-Verdad”). Muchos episodios de estos noticieros se rodaron con cámara oculta en todo tipo de lugares públicos. En 1922 Vértov creó la serie de noticieros cinematográficos Kinó-Pravda (“Cine-Verdad”).

En 1929 Vértov produjo su cinta más famosa, El hombre con la cámara. El filme muestra un día de la vida de una ciudad soviética desde el amanecer hasta la noche: tráfico, el trabajo de las fábricas, actos culturales, etc. En esta cinta experimental Vértov trató de utilizar varios métodos de montaje y rodaje innovadores para aquella época, incluida la grabación acelerada o la superposición de imágenes. El protagonista del filme es el camarógrafo, el hombre con la cámara que se encuentra en el centro de la vida y capta los ritmos de la ciudad y de sus habitantes con su aparato.

Vértov grabó el primer documental sonoro del cine soviético, Entusiasmo. La sinfonía de Donbáss (1930). El filme muestra el trabajo de los mineros de la cuenca del Donets, en Ucrania. Uno de los logros principales de la carrera de Vértov fue su teoría sobre el montaje del cine documental. Vértov afirmaba que el montaje es un elemento clave en el arte del cine.

Fuentes: https://rusopedia.rt.com/personalidades/personalidades_de_cultura//issue_271.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Dziga_V%C3%A9rtov

Nikolai Ge (Николай Ге)

Nikolai Ge fue un pintor realista ruso y uno de los primeros simbolistas rusos. Fue famoso por sus obras sobre motivos históricos y religiosos.

Su abuelo emigró a Rusia durante el siglo XVIII. Sus padres murieron cuando él era un niño. Ge fue criado por una enfermera. Se graduó en el primer gimnasio de Kiev y luego estudió física y matemáticas en la Universidad de Kiev y en la Universidad de San Petersburgo.

En 1850, Ge abandonó su carrera en ciencias y se inscribió en la Academia Imperial de las Artes en San Petersburgo. En 1857, se graduó de la Academia, donde recibió una medalla de oro por La bruja de Endor que invoca al espíritu del profeta Samuel.

La medalla de oro consiguió una beca para que Ge estudiara en el extranjero. Visitó Alemania, Suiza y Francia. En 1860 se estableció en Italia, donde conoció a Alexander Andreyevich Ivanov en Roma. El artista ruso se convirtió en una fuerte influencia para las futuras obras de Ge.

Ge contó: «Quería ir a Londres para pintar el retrato de Alexander Herzen | Herzen» […] y él respondió a mi solicitud con un gran retrato del Sr. Levitsky. «La similitud del último cuadro entre la pose de la foto de Levitsky de La postura de Herzen y Ge sobre el Cristo pintado llevó a la prensa del día a considerar la pintura como «un triunfo del materialismo y el nihilismo».

Esta fue la primera ocasión conocida en que la fotografía se usó como la fuente principal de un personaje central en una pintura y habla de las profundas influencias que la fotografía tendría posteriormente en el arte y en los movimientos artísticos como el impresionismo francés.

La pintura (adquirida por primera vez por el zar Alejandro II de Rusia) causó una impresión tan fuerte cuando se mostró en San Petersburgo en 1863 que Ge fue nombrado profesor de la Academia Imperial de las Artes.

Ge escribió que un hombre debería vivir de la agricultura y el arte no debería estar a la venta. Compró una pequeña khutor (granja) en Chernigov gubernia (actualmente Ucrania) y se mudó allí. Ge conoció a Leo Tolstoy en esta época y se convirtió en un seguidor de su filosofía.

A principios de la década de 1880, regresó a los temas religiosos y retratos. Afirmó que todos tenían derecho a tener un retrato personal y aceptó trabajar para cualquier comisión que el sujeto pudiera pagar. Entre sus últimos retratos, los sujetos fueron Tolstoi, Mikhail Saltykov-Shchedrin y el Judas bíblico.

Andréi Tarkovsky (Андрей Тарковский)

El propio Ingmar Bergman dijo una vez: «Tarkovsky es el más grande de todos. Se mueve con gran naturalidad en el ámbito de los sueños. No explica. ¿Qué es lo que debería explicar, de todas formas?»

Andréi Tarkovsky es considerado uno de los autores de cine ruso más importantes e influyentes, así como uno de los más grandes de la historia del cine mismo.

Podría parecer poco prolífico al haber realizado solo siete largometrajes, debido a los constantes obstáculos impuestos por las autoridades soviéticas, que consideraban que sus películas eran elitistas. Pero nunca comprometió su integridad artística. Sus películas, caracterizadas por largos planos secuencia, están llenas de imágenes de profunda belleza que invitan a despojarse de la idea de un significado concreto.

Tarkovsky es recordado por su extrema exigencia a la hora de preparar y dirigir sus proyectos, por sus teorías sobre el arte en general y el cine en particular (recogidas en su famoso volumen Esculpir en el tiempo), por su renuencia a acatar los dogmas culturales y las limitaciones ideológicas de su país (que finalmente lo llevaron al exilio), y por su fortísima personalidad artística.

Fue el primer cineasta soviético en recibir el León de Oro de Venecia, también por su primer filme, La infancia de Iván (1962).

Harto de las imposiciones y de la presión de las autoridades culturales soviéticas, emigró primero a Italia, donde realizó el documental Tempo di viaggio (1983) y el largometraje de ficción Nostalgia (1983), y después a Suecia, donde con parte del equipo de su admirado Ingmar Bergman, dirigió su obra póstuma, Sacrificio (1986), que terminó ya muy enfermo de cáncer, montándola y diseñando el sonido desde la cama de un hospital. Esta película es la más premiada en la historia del Festival de Cannes, con cuatro premios.

Andréi Tarkovsky es uno de los máximos representantes del cine ruso, cuyas películas son intensamente íntimas, ocasionalmente controvertidas, siempre hermosas en cada fotograma; y es por eso por lo que es considerado como un poeta del cine. Él se mostraba interesado en el hombre y su búsqueda de respuestas de la vida misma, la decadencia de la verdadera espiritualidad en la sociedad moderna y la incapacidad de la humanidad para responder adecuadamente a las demandas de la tecnología, que domina cada vez más todo el espectro de la vida humana.

Polina Gagarina (Полина Гагарина)

Polina Gagarina nació el 27 de marzo de 1987 en Moscú pero desde muy pequeña su familia se mudó a Atenas. Es una cantante, compositora, actriz y modelo rusa que representó a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión de 2015 con la canción «A Million Voices», donde obtuvo el segundo lugar.

Su madre, que era bailarina, la matriculó en la escuela del ballet Alsos además de en otras academias musicales. En 1993 su padre muere de un ataque al corazón y Polina se traslada a Saratov con su abuela. Durante este tiempo consiguió una plaza en el prestigioso Saratov Conservatory gracias a su interpretación del tema I will always love you de la película El guardaespaldas. Tras ver esta película, Polina decidió que quería ser cantante.

En 2003 su profesora Natalia Andrijanova la animó a presentarse al casting de la segunda temporada de Star Factory, el equivalente ruso a Operación Triunfo, y ganó. Tras esto se unió al grupo femenino Playgirls que firmó un contrato discográfico con ARS Records pero no se llevó a cabo. En 2005 participó en el concurso internacional New Wave, celebrado en la ciudad letona de Jūrmala, con la canción Lullaby, alcanzó el tercer puesto y su tema se convirtió en todo un éxito.

En 2008, junto a Irina Dubtsova, publicó el single Komu, zachem? (Кому, зачем?) por el que recibieron un premio Muz-TV 2010 a Mejor dúo. El segundo disco de Polina salió en 2010 y se titula O sebe (О себе). Ese mismo año finalizó sus estudios en la Escuela de Arte y Teatro de Moscú (Школа-студия МХАТ). En 2011 participó en el espectáculo musical ucraniano Narodna Zirka (Народна Цирка), recibió un Golden gramophone y publicó su tercer disco: Oskolki (Осколки).

Trás su paso por Eurovisión, la cantante participó como coach de la cuarta temporada de la versión rusa de La Voz. El 25 de Julio cantó en la presentación de la copa del mundo de fútbol que se celebró en Rusia en 2018, y el 9 de Agosto actuó en la ceremonia de clausura de los Mundiales de Natación celebrados en la ciudad de Kazán. En Octubre publicó su nuevo tema Ya ne budu (Я не буду (No lo haré)).

El 8 de Septiembre fue considerada Mujer del año por la revista GQ en su tirada rusa. Además ha colaborado en la banda sonora de la películas La batalla de Sebastopol interpretando la canción Kukushka (Кукушка (Cuco)) con la que ha conseguido llegar al número 2 de las listas de éxitos de su país.

Anna Pavlova (Анна Павлова)

Anna Pavlova es un referente del ballet clásico ruso, quien realizó su debut a principios del siglo XX y cambió la historia de esta disciplina para siempre. Nació en San Petersburgo en el seno de una familia campesina de bajos recursos. Su vocación por la danza nació a partir del día en que su madre la llevó a ver el ballet de “La Bella Durmiente” cuando tenía ocho años, y desde entonces no tuvo más que un anhelo: ingresar a la escuela de danza

Inició sus estudios en 1891, a la edad de diez años, en la Escuela de Ballet del Teatro Marinsky de San Petersburgo con Pavel Gerdt, Christian Johansson y Eugenia Sokolova. Debutó en la compañía el 1 de julio de 1899 con La Virgen Vestal.

Después de varias giras por Londres, Nueva York, Praga y Berlín con Mikahil Mordkin como partenaire, Anna Pavlova, aún ligada al Teatro Marinsky, formó su propia compañía en 1910. El grupo, formado por tan sólo ocho bailarines en un principio, fue ampliado en 1913 para realizar una gira por toda América. Harcourt Algenaroff, Hilda Butsova, Laurent Novikoff, Ruth Page, Pierre Vladimirov y Alexander Volinine fueron algunos de sus colaboradores.

En 1919, durante una gira por México, Pávlova fue una de las primeras bailarinas clásicas en ejecutar el Jarabe Tapatío, vestida con la indumentaria de china poblana.

Su número más famoso fue La muerte del cisne, coreografiado para ella por Michel Fokine, con música de Camille Saint-Saëns, estrenada en 1905 en San Petersburgo y presentada en el Metropolitan Opera House de Nueva York cinco años más tarde . Otras interpretaciones en las que destacó fueron El lago de los cisnesGiselleLas Sílfides y Coppélia.

De acuerdo con la tradición del ballet, en el día que ella tenía que actuar después, el espectáculo fue programado, con un solo proyector que iluminaba el escenario vacío donde debería estar la bailarina.

Anna Pávlova falleció de pleuresía en La Haya, Países Bajos, pocos días antes de cumplir 50 años, mientras estaba de gira. Su último deseo fue que le pusiesen su traje para La muerte del cisne, y sus últimas palabras fueron: «Tocad aquel último compás muy suavemente«.

Fuentes: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pavlova.htm

Tanator: Thrash Ruso tomando el control en México

Publicado originalmente en peoplesoundlike.com

Solo queremos tocar música, al puro estilo Punk Rock.

-Maxim Mikhaylov-

Después de meses de convivir con bandas rusas en Moscú y escuchar sus razones y dificultades para no viajar a otros continentes, fue una sorpresa que mi amigo Rodrigo Jardón me dijera que «unos rusos» iban a tocar en El Real Under como parte de su gira mexicana. Rodrigo ha fotografiado música underground durante algunos años y conoce a mucha gente, entre ellos, al cantante Zuriel Perikillo López, el chico a cargo de la gira (y la mercancía mexicana de la banda). Nos presentamos antes de que empezara el show, tomamos una cerveza y caminamos hacia el escenario.

El set de Tanator no tuvo piedad en absoluto, ni el moshpit, el headbanging y los gritos entre la audiencia, incluso si no se estaba familiarizado con la escena, el ímpetu violento se apoderaba de ti para convertirse en pura adrenalina. Mucha gente pidió selfies con la banda en un inglés rasposo. Mi camiseta de Egor Letov fue el primer acercamiento con el baterista de Tanator, Pavel Krasnitsky, quien es de Omsk, Siberia, justo como el ícono punk siberiano Egor. El punk soviético, el cine y la política serían algunos de los temas para los próximos días juntos.

Durante su estadía en ‘Moncho Plaza’, como los chicos bautizaron el apartamento de un viejo amigo cerca del Estadio Azteca al sur de la Ciudad de México, nos reunimos para hablar, con la música de Caifanes como telón de fondo. El primer sencillo de Tanator fue lanzado en 2013, pero según Maxim, el líder, compositor, voz y guitarra de Tanator, «la música no ha cambiado, quizás solo el sonido». Tanator conserva la misma vibra desde el principio.

Su discurso fue un poco diferente. No piensan en el hecho de «ir al extranjero», simplemente lo hacen. Además, tanto Maxim con Tanator como Pavel con sus proyectos anteriores, Theodor Bastard y Otto Dix, han realizado giras por Europa anteriormente. «Nuestros fans surgen por recomendaciones entre personas, un chico le dice a otro, y a través de conciertos y discos, es muy simple».

Aun así, la idea de una gira mexicana surgió porque los chicos de Tanator y Zuriel se encontraron en San Petersburgo. «Simplemente bebimos un poco de cerveza, hablamos sobre la gira y lo hicimos. Fue más fácil porque conocimos a alguien que nos ayudó, y después de este viaje tenemos más contactos para regresar con una gira más grande».

Sobre la escena musical underground en las ciudades rusas, Maxim dice que el país pasa por una gran etapa en algunos géneros como Metal, Rock o Hardcore, pero el problema con las bandas es que algunos de ellos no trabajan lo suficiente en su promoción. Egor, el bajista de Tanator, mencionó que algunas bandas simplemente no quieren viajar debido a las dificultades que esto implica, «pero no vemos fronteras. Tal vez las giras mundiales son sòlo para algunos, como nosotros o Fatum de Moscú».

Egor también agregó que las bandas rusas no deberían tener miedo, «el idioma no importa si eres de mente abierta, eso es lo más importante».

Con una mezcla de ruso, inglés y español, los muchachos de Tanator animaron al equipo de fútbol América durante un partido aburrido en el estadio, disfrutaron las tortas mexicanas con bistec y fueron a comprar camisetas baratas con logotipos de bandas de Metal. «Hicimos muchos amigos, los mexicanos son muy abiertos emocionalmente, es genial», coincidieron.

Pavel estaba muy interesado en la historia de Frida Kahlo y Leon Trotsky, además de ir a las pirámides, «no podemos visitar México sin ver Teotihuacan»; Y otras ciudades como Toluca, Jalapa, Querétaro y Cuernavaca los recibieron con gran entusiasmo.

Su último concierto en la Ciudad de México fue también una sesión de grabación en vivo en YoX Discos en La Roma. Maxim mencionó que esas grabaciones se convertirían en futuras pistas adicionales o incluso en un lanzamiento especial de la gira por México.

Tanator ahora está trabajando en su próxima gira por Europa, pero esperan volver a América Latina en un par de años. «Volveremos con fuerzas renovadas».

Puedes escuchar la música de Tanator en Bandcamp y seguirla en Facebook y VKontakte.